«Нереальный фольклор» в фильме «Мамай», музыка к аудио-видео-инсталяции «Времени года на Площади» художницы Оксаны Плисюк на стихотворении Андруховича, опера «Числа и ветер» на стихотворении Николая Воробьева — это только самые резонансные проекты Аллы Загайкевич
Промелькнул XIV Международный фестиваль «Музыкальные премьеры сезона», который оставил после себя не только приятные воспоминания и впечатления, но и пакет вопросов. Например, почему в программе одного из самых резонансных проектов — «Женщины в музыке», что проходив в рамках этого фестиваля, не фигурировало имя Аллы Загайкевич? Ведь творчество этой композиторши, известной многим сторонникам современной музыки по фильму «Мамай» и поражающим электроакустическим экспериментам, заслуживает особенное внимание. Была ли это политика организаторов, собственная позиция ли автора? На это и пакет других вопросов ответила сама Алла Загайкевич.
— Относительно «Женщин в музыке», мне не очень понятная деятельность этой ассоциации в Украине. С одной стороны, все, что связано из гендером, у нас в настоящий момент ужасно популярное. Если зайдете в «Букву», то обязательно увидите какую-то новую книжку на эту тематику (хотя, к сожалению, речь там опять будет идти об Ольге Кобылянской, Лесе Украинке, Саломею Павличко или же Оксану Забужко). Но в творчестве разделение композиторов на женщин и мужчин, по моему мнению, выглядит не совсем адекватным. Думаю, такой выдающейся фигуре, как София Губайдулина, не очень нужная реклама в «группках», созданных за половым разделением. В подобных женских объединениях, в частности в странах Европы, находятся композиторши, деятельность которых находится на любительском уровне. Они имеют гораздо меньше творческое признание, чем та же Людмила Юрина, организатор украинской ассоциации, композиторша, которая очень известна в Германии, много работает и имеет мощную творческую энергетику.
— Вы тоже часто бываете за рубежом, и создается впечатление, что там ваше творчество пользуется большей популярностью, чем в Киеве. Есть ли в том проблема недостаточной адаптированной отечественного слушателя к вашим творческим экспериментам?
— Существует понятие публики — воспитанной или не воспитанной на современной музыке, и страна здесь не суть важно. В Украине регулярные фестивали с включением произведений действительно модерной музыки начались не так уже и давно. Поэтому мы и имеем такую достаточно низкую количественно качественную характеристику нашей публики. Она очень отличается от той, которая приходит в Центры современной музыки в Дрездени, Париже, Вильнюсе. Проследите за ее реакцией на наши произведения — это реально существующая проблема. Почему-то посещение выставок абстрактной живописи или чтения модерной литературы меньше раздражает людей, чем современная музыка. С ней все сложнее — здесь должно быть образование, специальное воспитание, культура. Если человек не почувствовал самобытность, художественную ценность музыки Веберна или Вареза, не впитал все это как основу, то, конечно, ей трудно воспринимать все новое.
— Как, с вашей точки зрения, развивается украинская музыка?
— Современная музыка для меня — это открытое явление, с непредсказуемым вектором движения, которое не вписывается к уже известным нам парадигмам. Много композиторов сегодня обращаются к культурным фонемам, связанным с музыкой XVII — XVIII века. Это создает впечатление замкнутости музыки на определены музыкальные стили и ограниченного круга выразительных средств. Как проблема выработки интегрированного общеобщественного языка это может иметь место — музыкальное искусство всегда базировалось на определенных академических принципах и замкнутости культурной традиции. Но как художественное явление меня более привлекает балансирование композитора между растворением в этой «анонимной» сфере и ярким выражением своей индивидуальности, направлением на вечное открытие, обновление и актуальность.
Что-то похоже происходят в украинской современной литературе. Мы видим здесь и постмодерный дискурс, и цикличность языка, и калейдоскоп стилистики и художественных приемов, которые образуют культурную энциклопедическую. В то же время есть поэты и писатели, в которых чрезвычайно выразительно прослеживаетсья что-то такое актуальное, что не могло быть создано другим человеком, в другом месте или времени. Например, Юрий Андрухович...
— Большой резонанс вызывала аудио-видео-инсталяция «Времена года на Площади», созданная вами в соавторстве с художницей Оксаной Плисюк на его стихотворении. Вы неоднократно обращались в своем творчестве также к поэзии Николая Воробьева и Олега Лишеги. Чем именно она вдохновляет вас?
— Мои первые непосредственные впечатления от их поэзии связаны с постановками Сергея Проскурни. Это первые художники, которые изменили статус украинской поэзии от сельского центризма к городской культуре. Такого явления, которое можно сравнить с поэзией футуристов или Бодлера и Арагона, у нас до семидесятых годов практически не возникало — шестидесятники лишь только начинали создавать эту поэтическую личность. Поэзия Воробьева и Лишеги связана с определенной символикой философии человека, которая живет в «воздушном замке» культуры, преисполненного оттенков китайского городского дзену. В ней никогда не было императива, любых социальных намеков, того, что, по моему мнению, в музыке тоже выглядит плохо.
— По-видимому, именно эта общность в эстетичных взглядах и привела к написанию вами оперы «Числа и ветер» на поэзию Воробьева. Осенью в 2003 году вы представляли ее в Вильнюсе на фестивале современной музыки «Айда». Что вы можете рассказать о специфике этого форума, и, в частности, самой постановки?
— Фестиваль существует уже больше десяти лет. Это модифицирован прежний пленум союза композиторов, на котором выполняли исключительно литовскую музыку. В процессе его развития процентное соотношение сдвинулось в сторону произведений иностранных композиторов, сплоченных вокруг какой-то ведущей идеи. Именно созданием этой фестивальной концепции в настоящий момент и занимается литовский Центр музыкальной информации. Его функция — приглашение выдающихся исполнителей мирового уровня, таких как квартет Arditti или Schonberg ensemble, и иностранных дирижеров, которые учат литовских музыкантов определенных принципов исполнительского. То есть этот фестиваль взяло направление на осознание литовскими художниками их места в общемировом контексте.
Если говорить о «Числах и ветре», ее постановка на этом фестивале была своеобразным экспериментом. Эту оперу представлял ансамбль «Новое исполнительское» Ровенской филармонии (дирижер Петр Товстуха). Невзирая на то, что этот коллектив имеет очень небольшой опыт в исполнении современной музыки, его музыканты всегда открыты к работе, они энтузиасты. В проекте также принимали участие певцы-киевляне Инна Галатенко, Виктор Давиденко и львовянка Наталья Половинка, которую наша публика хорошо знает как актрису и певицу, которая работает на грани импровизационных жанров, связанных с голосом, пластикой и движением. Авторские костюмы для этой постановки создала киевская художница Галина Отенко. У меня возник замысел показать во время сценического действия на специальном экране тексты стихотворений и картины Николая Воробьева (он есть не только красивым поэтом, но и интересным художником). Такое задание обусловило использование разных медиатехнологий и создание видеодекораций, которые требовали особенных средств задней проекции. Эту функцию взял на себя режиссер Олесь Санин.
— Не так давно в прессе обсуждался его фильм «Мамай». Вы являетесь автором музыки к этой киноленте, в которой рядом с синтезом звука использованы фольклорные элементы. В чем специфика такого сочетания?
— Творческая идея электронного синтеза была связана с концепцией этого фильма и его звуковым материалом. Все то пространство, с которым имеет дело главный герой киноленты, — это, с одной стороны, реальная степь с интересным специфическим звучанием, а из второго — мнимый мир украинского пения, мир, какой он покинул, к какому возвращается, но не вернется никогда. Материалом для этого были разные шумы: звук ветра, топот конских подков и образцы фольклорного аутентичного пения. Следовательно, моим заданием было создать электронными средствами ощущение «нереального» фольклора, «мнимой» культуры.
— Вы активно используете синтез звука и в своих академических произведениях. Существуют ли подобные аналоги в Украине?
— Существующие направления этого жанра трудно назвать академическими. Исключением я считаю Александра Нестерова, меди-гитариста и электронного композитора, который балансирует между акустикой и электроникой. То, что он делает, чаще всего называют импровизационной музыкой, но это принципиально композиторское творчество, которое имеет своеобразную фиксацию. Последний его концерт, который мы видели год назад в проекте «Электроакустика» Международного фестиваля «Форум музыки молодых», был исключительно акустическим. Состоялось вроде бы возвращение к эстетике 70-х годов, когда композиторы открывали первобытное звучание инструментов и саму природу их материала — эстетика, которая шла от Луиджи Ноно. Считаю, что Александр Нестеров — номер один в этом направлении. Я также слышала работы львовского композитора Ивана Небесного. Как правило, это тоже сочетание инструментов с записью. Он практически не пользуется синтезом, но часто применяет монтаж звуков записанных инструментов, их обработку, синтезаторное звучание. Временами это бывает очень интересно...
— Какой метод творения музыки благодаря синтезу звука определяет ваши творческие ориентиры?
— В электронной музыке меня привлекают вещи, которые в первую очередь связаны все-таки с акустикой. Синтез развивает, модифицирует звук, но сам базируется на реальных инструментах. Меня очень интересует синтез в реальном времени, процесс, который происходит в момент выполнения произведения. Ты входишь в импровизацию с живыми музыкантами или даже без них (на фестивале современной музыки, Sonor в Баке я импровизировала с уже записанными в компьютер музыкальными фрагментами). То есть становишься фактически исполнителем... Вообще, синтез — понятие очень разветвленное и сложное, на грани физики, акустики и нашего восприятия. Вещь чрезвычайно капризна. И именно этот поиск долгожданного звучания является наиболее привлекательным для композитора.
Татьяна САЧЕВА